ARTE POVERA

Arte Povera

Por: Elsa Tamayo / <shamyguel_88@hotmail.com>

Historia del Arte IV

El material dentro de las variadas disciplinas de las artes es un elemento significativo. Va desde el manipular un trozo de arcilla, hasta obtener texturas de un bloque de mármol. No es hasta mediados del siglo XX que los artistas, cansados de seguir repitiendo la aplicación de estas técnicas y los materiales tradicionales, optan por dar giro totalmente radical e innovador dentro del arte contemporáneo. Rompen con una línea que tenía como objetivo el comercializar y tomar como único recurso materiales de valor artístico.

Este movimiento nace a finales de los sesentas en Turín, Italia, a raíz de una exposición donde el historiador y crítico de arte de origen italiano Germano Celant, propone una nueva corriente artística, la cual nombra “Arte Povera”, que en español se traduce como “Arte Pobre”.  Esto por el empleo de materiales sin valor alguno que los artistas pertenecientes a este movimiento utilizaban.

Celant se da cuenta que una nueva generación de artistas, están en oposición al arte tradicional que los rodea. La actitud que toman ante esta postura es, crear nuevas propuestas que rompan con los modos de representación tradicionales. Lo hacen utilizando materiales u objetos sin valor artístico y de desecho, dándole así un valor distinto a la pieza de arte.

El término “Arte Povera” es aplicado por primera vez en 1967. Celant organizo exposiciones de Arte Povera en la galeria La Bertesca, en Génova (1967); en la Galería De 'Foscherari, en Bolonia (1968); "Arte Povera y Azioni povere en Amalfi" (1968 ). Formando dos grupos fuertes de artistas, uno en Turín con artistas como: Michelangelo Pistoletto, Mario Merz, Marisa Merz, Giuseppe Penone, Giulio Paolini, Anselmo Giovanni y Piero Gilardi; y el otro en Roma, con: En Roma, con: Alighiero Boetti, Jannis Kounellis y Pascali Pino.

En 1972 logran repercutir a nivel internacional, gracias a su participación en la 5ta edición de la Documenta de Kassel en el Museum Fridericianum. Siendo esta uno de los eventos más importantes del mundo dentro del arte contemporáneo, comparable al nivel que tiene la Bienal de Venecia. Los artistas más representativos de este movimiento fueron: Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro.

Artistas como Manzoni, Burri y Fontana, fueron los precursores de este movimiento. Lo cual nos dice que el hecho de que el Arte Povera haya nacido en Italia, no es casualidad, ya que estos artistas se desarrollaron en ese mismo lugar. Sus propuestas como el crear arte antimercantilista y la insistencia por la utilización de materiales simples, fueron las bases ideológicas que dan forma al Arte Povera.

Poco antes de llegar al Arte Povera, tenemos al Minimalismo. En general, este movimiento propone un arte que sea desarrollado en una mínima expresión, eliminando así cualquier tipo de elemento excedente o saturación. La geometría, el buscar una forma pura, el empleo de materiales como la piedra, metal, madera, etc. y la ausencia de gestualidad, son algunas de sus características.

Surge como respuesta contra el expresionismo abstracto. El cual a su vez reacciona a los que aplican un lenguaje figurativo. Y así, la evolución que se ha dado en el arte, en especial con los movimientos del arte moderno, ha sido a base de oposiciones y fusiones. El Arte Povera no es la excepción.

Como se dijo anteriormente, tenemos a tres artistas como precursores de este movimiento; Manzoni, Burri y Fontana. Ellos buscaron la manera de romper con el arte tradicional, proponiendo la utilización de otros materiales, dándole importancia al concepto como parte de la pieza, saliéndose de la creación intuitiva y sin base conceptual. Para los artistas que pertenecieron al Arte Povera el discurso de sus antecesores fue fundamental para el desarrollo de su obra. Al igual para Celant, estas referencias le dieron más fuerza a su propuesta.

El Povera basa su estética principalmente en los materiales, tomando en cuenta dos factores; por un lado, el proceso de fabricación del objeto o material; y por otro, las características formales del mismo. La manipulación del material es mínima, puede ir desde hacer unos cuantos cortes a un trozo de fieltro, hasta ensamblar un objeto con otro. Una mayoría, producía piezas efímeras, por las mismas condiciones y aplicación de los materiales.

Cabe mencionar que casi en su totalidad, los artistas del Povera generaban piezas tridimensionales. Desarrollaban la escultura, la instalación y la intervención de espacio. Aun así, hay artistas como Gilberto Zorio que trabajaron la bidimensionalidad. Sin embargo, Zorio lo ejecuta de una forma distinta, fuera de lo convencional. Toma pliegos de papel y a través de técnicas experimentales como lo es el quemar papel, genera figuras y texturas sobre este.

Les era importante el guardar la esencia del material. Dejarlo en bruto y aprovechar las propiedades de cada uno de ellos, volvía la pieza en algo mas orgánico. Dejar que la materia se comportara a su manera, el artista solo la manipulaba al mínimo físicamente, prefiriendo descontextualizarla para así generar un dialogo entre la pieza y el publico en distintos niveles.

La fabricación de objetos para la comercialización, es uno de los puntos que el Povera rechaza de las corrientes artísticas que les antecedieron. El Pop Art es uno de ellos. Para ellos los mitos y clichés de las vanguardias habían quedado obsoletos.  Crean una estructura de operación distinta, un espacio individual basado en una adecuación entre dimensión cuerpo-espíritu y obra.

Entre los artistas más importantes de este movimiento tenemos a Mario Merz. El crea una de las formas más representativas del Povera, el iglú. La aplica en numerosas versiones, entre los años setenta y ochentas. Hace solo variaciones de tamaño y materiales, guardando la estructura que corresponde a las viviendas nómadas y efímeras, las cuales son construidas en base a los materiales disponibles en su punto geográfico, así como el clima.

Por otro lado tenemos a Jannis Kounellis, quien a través de su proceso intenta apoderarse de la propia vida. Utiliza materiales orgánicos e inorgánicos. Lo relevante de su trabajo es la utilización creativa del fuego. “Margarita de fuego” es la primera pieza que presenta bajo este proceso de combustión, dando paso a ser una acción más frecuente en el trabajo de Kounellis.

Gilberto Zorio, otro artista de este movimiento, se preocupa por la acción. En ella se combinan energías físicas y mentales. Un ejemplo claro es una de sus piezas llamada “Odio”, esta consiste en escribir de manera violenta en un muro la palabra Odio con un hacha. Este interés por las acciones lo adentra en el mundo del teatro y el performance. Cito a Zorio con en breve descripción de su trabajo

“Mi obra, no es solamente una noción abstracta o puramente física; reenvía a una dimensión antropológica que forma parte de la historia y no de los hechos ideales”

Por último mencionare a Giovanni Anselmo, quien da gran peso a la valoración de la energía en su obra. Toma bases conceptuales en la mutación y la perdurabilidad de los materiales, la utilización de la energía en algún acontecimiento y las fuerzas contrarias que provocan tensión. “Senza titolo” ejemplifica claramente su postura como Povera. Utiliza dos objetos con propiedades físicas distintas, un bloque de granito y una lechuga. Articulando de manera evidente que una obra de arte puede vivir y puede morir, hay una condición de lo efímero aplicado en metáfora.

La lista de artistas es larga y la variedad de discursos también. Aun así, Merz, Kounellis, Zorio y Anselmo nos dan una idea general de las propuestas que se manejaban en esta época dentro del Arte Povera.

En lo personal, este movimiento me resulta uno de los más relevantes dentro de la evolución del arte. Da un giro radical en la visión, fin y modo de representación que hasta ese entonces se venían aplicando. Una actitud que coincide con otros grupos artísticos, en especial el hecho de oponerse ante la posibilidad de comercializar objetos de su creación.

Uno de los elementos con más impacto, es el manejo de materiales efímeros y sin valor alguno. Rompiendo con el empleo creativo de materiales tradicionales y de valor artístico. Generando un abanico de múltiples posibilidades para el desarrollo formal de una obra de arte. La base conceptual se vuelve un complemento de la forma.

Esta nueva postura, esta nueva generación de artistas posiciona a las galerías y coleccionistas en un lugar difícil, donde el artista lo excluye del lucro y el consumo. No obstante, de una u otra forma este sistema de compra-venta-demanda busca la manera de permanecer en escena. Hecho que en la actualidad sigue ocurriendo.