ARTE POVERA

ESC. ARTES PLASTICAS

HISTORIA DEL ARTE IV

MAESTRO: ROBERTO ROSIQUE

ARTE POVERA

Por SAIRA YAZMIN VILLAGRANA HDZ. takahashimih@hotmail.com

GRUPO 241

El Arte Povera, también conocido como “arte pobre” fue un movimiento significativo de las vanguardias emergidas en Europa en los 60’s. Se dio gracias a un grupo de artistas italianos cuyo rasgo característico era el uso de materiales comunes, simples, y de fácil obtención como lo son la tierra, la ropa, el papel, las piedras, entre otros.

Este movimientos surgió como reacción a la pintura abstracta que había estado dominando el arte europeo en la década de los 50’s. Es posible que por esa razón la disciplina que tomó protagonismo en el arte pobre fuera la escultura. Se rechazaba al minimalismo debido a la oposición al modernismo y la tecnología.

El espíritu del Arte Povera puede ser rastreado a la obra de tres artistas. El primero sería Alberto Burri, cuyas pinturas eran hechas con sacos de yute, lo que daría un ejemplo del uso de materiales pobres; el segundo sería Piero Manzoni, cuyo trabajo prefiguraba cualidades del arte conceptual; el tercer artista sería Lucio Fontana, quien con sus pinturas monocromáticas dieron ejemplo del poder de un arte reducido en unos cuantos elementos que causan gran impacto.

El crítico de arte Germano Celant, en 1967, uso por primera vez el término Arte Povera. Durante el mismo año, Celant realizó el primer estudio de la tendencia la cual fue expuesta en la galería La Bertesca, este estudio incluía el trabajo de Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Pino Pascali, Luciano Fabro, Emilio Prini y Giulio Paoli. Todos los trabajos de los artistas mencionados, hacían uso de materiales cotidianos, por lo tanto de poco valor, materiales “pobres”. Dos meses después Celant escribió Arte Povera: notas para una guerra de guerrillas un manifiesto que agregó a un puñado de artitas más al movimiento como: Giovanni Anselmo, Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Piero Gilardi, Gianni Piacentino y Gilberto Zorio. Ese último manifiesto de Celant vinculó a los artistas, no de una manera estilística o formal, sino los conjugó por lo que él vio como su deseo común: “destruir la dicotomía entre el arte y la vida”.

Las ideas clave del movimiento fueron el uso de materiales simples, y el contraste de materiales no procesados con las referencias a la cultura consumista. Presentaban yuxtaposiciones de lo nuevo con lo viejo mediante materiales altamente industrializados al lado de objetos preindustriales. Incluso se podía ver la unión de objetos que parecieran ser de polos totalmente opuestos, un ejemplo claro de esto es la pieza de Michelangelo Pistoletto titulada Venus de los harapos (1967) en esta obra Pistoletto creó un contraste palpable al colocar una escultura antigua monocromática junto con una pila de coloridos harapos.

Aparte de esta unión poco usual de materiales, los italianos se comenzaron a preocupar por crear varias formas de interacción entre el espectador y la obra. A principios de los 60’s Pistoletto había estado haciendo imágenes de tamaño real de personas las cuales estaban adheridas a la superficie de espejos  para que el reflejo del espectador se convirtiera en parte del trabajo artístico (ej. Vietnam, 1965).

A finales de la década, Gilberto Zorio comenzó a crear instalaciones que registraran las acciones de los visitantes o algunos otros cambios producidos en el ambiente próximo a la obra. Algunos otros artistas persiguieron otro tipo de interés conceptual como Giulio Paolini quien creó replicas de esculturas o pinturas históricas, las cuales son consideradas como obras originales por su idea de fondo, no por su forma. En Mimesis (1976), Paolini colocó dos replicas de la misma escultura clásica opuesta la una a la otra como si estuvieran en plena conversación.

El artista más reconocido de este movimientos sería Mario Merz quien realizó igloos haciendo referencia hacia las sociedades nómadas las cuales le provocaban particularmente admiración por ser flexibles y bien adaptadas a su medio ambiente. Él mismo imitó estas cualidades en la facilidad en la que construyó estos igloos con un amplio rango de materiales tanto tecnológicos como naturales incluyendo el metal, el vidrio, el neon, cera, tierra y madera. Aun que una mayor intervención activa con la naturaleza fue lograda por Giuseppe Penone quien en su obra titulada: el árbol continuará creciendo excepto en este punto (1968) colocó una impresión de su puño en hierro alrededor del tronco de un árbol, al cual obviamente afecta la forma del objeto sin afectar su crecimiento. Sin embargo el hecho de que se cuente a este personaje dentro del grupo de artistas del Arte Povera nunca fue la intención de Penone. Fue Celant quien incluyó las fotografías que registraban las intervenciones en bosques realizadas por Giuseppe en un libro que estaba realizando sobre este movimiento. Sin embargo Penone se desligó de los postulados críticos y políticos de los demás artistas poveras. En las creaciones posteriores, en su mayoría, Penone empleó elementos objetnidos directamente del entorno natural, como la tierra, las plantas, y los troncos los cuales fueron enfrentados a otros objetos creados por él mismo con materiales distintos como el bronce o tierra cocida. La conjugación de lo artificial con lo natural tiene una connotación que describe el interés del artista por el entorno.

Así como la obra de Penone, la introducción del proceso de la naturaleza es visible en el trabajo de Giovanni Anselmo quien hace uso de lechugas, brújulas, ovillos de algodón o enormes bloques de piedra que sostiene lienzos en blanco, como ya se mencionó todos ellos son materiales banales o poco valiosos. Así mismo, Anselmo prefería los elementos obtenidos de entornos cotidianos que contaban con gran simplicidad y pobreza como el aserrín, los sacos y las placas de vidrio. En algunas ocasiones provocaba contrastes con la unión de materiales distintos como en su obra Respiro (1969), la cual estaba constituida por dos vigas de hierro las que se encontraban unidas por una esponja.

La intervención de la obra con animales vivos es mayormente vista en las obras de Jannis Kounellis ya que en 1963, un poco antes del inició del Arte Povera, utiliza objetos en sus pinturas, entre los cuales se pueden encontrar, fuego, tierra, tela, hasta animales vivos. Además cambió el marco de sus cuadros por marcos de puertas, ventanas, o de camas. Gradualmente Kounellis comenzó a introducir otro tipo de materiales en sus instalaciones como el humo, el carbón, la carne, entre otros.

Otro artista representante del movimiento Povera es Gilberto Zorio cuya obra canónica, Torcia, fue presentada en la famosa exposición “Cuando las actitudes se convierten en la forma” de 1969 la cual consistía en antorchas encendidas que suspendidas en el suelo caerían al suelo provocando la destrucción de la obra misma. Este tipo de obras son las características del arte de Zorio, pues creaba ambientes en los cuales se encontraba una gran carga de energía, además del fuego hizo uso del azufre, los ácidos y de focos lumínicos diversos.

Marisa Merz en 1967 realiza su primera exposición individual en la cual el material primario es el aluminio. Aun que no es una artista representante del movimiento como lo fue su esposo, Mario Merz, si cuenta con trabajos que entran dentro del Arte Povera, es por eso que se menciona dentro del mismo. Su obra muestra algunos de los temas tratados por los artitas poveras, como lo son las formas orgánicas, la subjetividad, el uso de las formas más bajas o menos apreciadas del arte como las artesanías y su relación entre el arte y la vida.

A principios de 1963 a 1965, Alighiero Boetti comenzó a crear trabajos que contaban con materiales poco usuales dentro del ambiente artístico como los son el aglomerado, el yeso, el plexiglás y otro tipo de materiales industriales. Un ejemplo de su trabajo considerado povera es Lampada annuale (1966) el cual consiste en una bombilla dentro de una caja de madera forrada por dentro con espejos, la bombilla se encenderá durante 11 segundos cada año al azar, sin un día, hora, o minuto establecido. Esta pieza se enfoca en los poderes transformadores de la energía, como en las posibilidades y limitaciones que van de la mano del azar.

A partir de 1963-1964, Luciano Fabro realiza sus primeras obras, las cuales se caracterizaban por la transparencia, por el reflejo de las superficies pulimentadas y por efectos ópticos empleados dentro de estructuras geométricas. Como todo artista de este movimiento utiliza diversos materiales, entre ellos están el mármol, vidrio y la seda; además rechaza la unidad de estilo.

El tema que designó el Arte Povera fue la proyección de una ideología en términos estéticos que presentan la lucha de los pobres contra la abstracción de su trabajo artístico, es decir ya no son necesarios los materiales característicos del ambiente artístico para la creación de obras. El Arte Povera trató de alterar los sistemas de representación que separó la imagen de su creador para devolver la imagen de las artesanías a los artistas.

La ruptura radical con las representaciones tradicionales de las obras son inseparables de las implicaciones políticas y éticas de los artistas dentro del movimiento. El Arte Povera tenía que ver más con la proyección de la producción como la valorización de las materias primas. La proyección se convirtió en un modelo por el cual los artistas poveras podían alterar los sistemas de representación de su trabajo en las materias primas y así de medir el trabajo del artista por la calidad del trabajo en sí y no por su método de producción. Debido a esto las metodologías de los diferentes artistas en el Arte Povera fueron anárquicas.